浮世絵は、これまでに生み出された最も洗練された大衆芸術の形式です。二世紀にわたり、数千もの画像が江戸（現在の東京）で描かれ、彫られ、摺られ、商人階級が手の届く価格で流通しました。歌舞伎役者、著名な遊女、風景、合戦を描いたものが多く、数千枚単位で刷られ、わずかな銭で売られていました。最良の一枚は今日、数十万ユーロの値がつくこともあります。
北斎：風景の絶対
葛飾北斎（1760-1849）は三十六の異なる号のもとで活動しました。生涯に三万点以上の作品を残しています。1830年から1833年にかけて刊行された「富嶽三十六景」は彼の代表作です。そのなかでも最も有名な「神奈川沖浪裏」は、大波が押し寄せる漁船の向こうに、小さな富士山を捉えた構図です。視点が不安定で、波はほとんど抽象として処理され、オランダ人が欧州からもたらしたプルシアンブルーが画面に新たな奥行きを与えています。現代の感覚にも驚くほど通じる構成です。
晩年の北斎は借金から逃れるために頻繁に引っ越しを繰り返し、版木を小脇に抱えて移り住みました。88歳で没するまで描き続けました。最後の作品として知られるのは、没した日に描いた龍のスケッチです。
広重：光と雨
歌川広重（1797-1858）は北斎とは異なります。北斎が堂々たる構図を組み上げるのに対し、広重が追求するのは情感です。嵐の夜に斜めに降り注ぐ雨、山峠に漂う朝霧、葦原に差し込む秋の光。1833年刊行の「東海道五十三次」は、四季折々の日本の風景の集成です。江戸から京都に至る街道沿いの宿場を、それぞれ固有の光と季節の中に描いています。
広重はヨーロッパの印象主義に直接的な影響を与えました。モネはジヴェルニーの自宅に231枚の日本の版画を飾っており（今も見ることができます）、小さな筆致の技法、非対称な構図、自然光の扱いには明らかな共通点があります。モネ自身もその影響を否定したことはありませんでした。
ファン・ゴッホは1887年、日本の構図を理解するために広重の版画を二枚、油彩で模写しました。構図の組み立てをより深く分析するため、左右を反転させた鏡像として描いています。
歌麿：女性の肖像
喜多川歌麿（1753-1806）は特定のジャンル、すなわち女性の肖像に工房を特化させました。遊女あるいは日常に生きる女性たちを、髪結い、湯上り、手紙を書く場面など身近な瞬間に捉えた構図です。切り取り方はしばしば非常に近接していて、顔が画面の三分の二を占め、手が添えられています。線は例外的に繊細で、色彩は柔らかく精緻です。
版画をインテリアに選ぶ
浮世絵はあらゆる現代的なインテリアに合います。ただし、丁寧に演出することが大切です。いくつかの原則があります。シンプルなオーク材フレーム（ナチュラルオーク材または艶消しブラック。金箔を施したものは「バザールのアジア雑貨」に見えてしまいます）、クリーム色のパスパルトゥをやや広めに取ること、そして目の高さに飾ること。一枚の大判を白い壁に飾るミニマルなスタイルにも、複数の小さな版画をギャラリーウォールに並べる豊かな空間にも、どちらにも自然に溶け込みます。
私たちのコレクションは三大巨匠（北斎、広重、歌麿）のほか、国芳・国貞といったやや希少な作家の作品も取り揃えています。すべての複製はファインアートペーパー（275 g/m²）に印刷しており、パリのギメ国立アジア美術館およびロンドンの大英博物館が所蔵する原作版画に基づいて色校正を行っています。
