1925年、パリで国際現代装飾産業美術博覧会が開催されました。セーヌ川沿い、グラン・パレからアンヴァリッドにかけて172のパビリオンが並びました。フランス政府はひとつのルールを定めていました。コピー禁止、歴史的な模倣禁止。展示物はすべてオリジナルでなければなりません。この規則は革命的でした。ナポレオン3世以来続いてきた装飾的新古典主義に正式に終止符を打ち、「アール・デコ」という名称が生まれました。
この用語は後から付けられた略称です。1925年当時、アール・デコという言葉を使う人はいませんでした。「モダンスタイル」「スタイル25」あるいはただ「新しいスタイル」と呼ばれていました。1966年、パリの装飾芸術美術館で開催された回顧展のときに、ようやくその名称が定まりました。当時、このスタイルはすでに40年の歴史を持ち、ひとつの完結した時代として扱われるほど明確になっていました。
スタイルの源泉
アール・デコには唯一の創設者はいません。それは総合芸術です。源泉は多岐にわたります。キュビスム（幾何学的形態と角度）、アフリカおよびオセアニアの芸術（マスク、レリーフ、リズミカルな文様）、ドイツのバウハウス（芸術と産業の緊張関係）、そしてオスマン帝国やアジアの装飾芸術。1925年の博覧会がこれらすべての潮流を一堂に集めました。
ポスターアーティストは建築家より先にこのスタイルを取り入れました。1925年以降のCassandre、Loupot、Carlu、Colinは、すぐに見分けられる美学で制作しました。鮮明なベタ塗り、厳格な幾何学、建築のように描かれた書体、強いコントラスト。ポスターはこのスタイルの最も目に見える形でした。建物が変わり始める以前から、街の壁を覆っていました。
大西洋を渡って
ニューヨークはアール・デコを特別な熱量で受け入れました。1928年から1932年の間に、市はアール・デコ様式で世界最高レベルの3棟を建設しました。クライスラー・ビル、エンパイア・ステート・ビル、そしてロックフェラー・センターです。クライスラーの建築家ウィリアム・ヴァン・アレンは、ビルの内部で製造した56メートルのステンレス製尖塔を最後の瞬間に突然引き上げ、隣のビルの高さを超えました。そのジェスチャーはまさにアール・デコでした。壮観で、精巧で、技術的で、予想外でした。
アール・デコは、オブジェ、ポスター、ファサード、インテリアを同時に考慮した最初のスタイルです。それ以前は、これらの分野が互いに対話することはありませんでした。
アール・デコが常に戻ってくる理由
このスタイルが生き続けているのは、それが「読める」からです。幾何学的なベタ面、金色のグラデーション、凝縮されたタイポグラフィ。名前を言わずとも、アール・デコはすぐに分かります。現代のインテリアにおいて、この読みやすさは利点です。ミニマリストな空間にアール・デコのポスターを飾ると、曖昧さのない、即座でシャープなコントラストが生まれます。乱雑さなく密度をもたらすのです。
当店のアール・デコポスターのレプリカは1922年から1939年の時代をカバーしており、大西洋航路の客船から鉄道会社、高級ホテルから香水ブランドまで幅広く揃えています。各ポスターは、元の構図の質、原本資料の希少性、そして275 g/m²のファインアートペーパーへの印刷時の発色の安定性を基準に選定されています。
